Dos dibujos originales a tinta china y frottage, noviembre 2022 – invierno 2023
Trazo a trazo, con delicadeza y determinación, se desvela lo oculto, lo invisible, lo inexplorado: aquello que permanece latente, que aún se encuentra a la espera de materializarse en las infinitas representaciones de lo posible. La plumilla o el pincel, al dictado de la fantasía, crean una nueva realidad nacida del claroscuro, del contraste y la expresividad, de la línea y el punto que, sutilmente, decididamente, hacen brotar el manantial nocturno de la oscura tinta. Es así como, discurriendo con elegancia y precisión por los inagotables campos de la creatividad, surgen etéreos mundos de luz y poesía; es así como nuestros sentidos se sumen en un espontáneo mar de sensaciones, en un laberinto de confusos rasgos a los que una adiestrada mano, con paciencia y sensibilidad, dota de sentido. Agudeza y sentimiento se traducen de este modo, a través de vacíos, transparencias y formas, en silenciosa exaltación y clamoroso sosiego.
Estos son los universos y atmósferas, no siempre monocromos, a los que Cecilia Morgado ha dedicado toda una carrera artística, tejiendo sobre el papel y la tela inspiradoras tramas de sombra y claridad, retazos de naturaleza viva. Y es que la observación del entorno motiva sus composiciones: un batir de alas, un fragmento inadvertido del paisaje traslucen en ellas una intensa emoción, esa emoción que, a un tiempo gesto y diálogo, nos transforma a nosotros mismos junto a la artista. Su práctica se vuelve entonces experiencia vital única e imprescindible, viaje iniciático durante el que Cecilia nos trasporta desde la cotidianidad a la historia, al Renacimiento italiano, o a lugares tan remotos como el Lejano Oriente.
ARTE
EN PERSPECTIVA: ¿De qué modo se define a sí misma como artista?
CECILIA MORGADO: Considero que en la creación de obras va quedando ‘impresa’, más allá de una técnica, una transformación personal que se manifiesta sensiblemente a través de la expresión de lo esencial y la armonía de lo realizado.
INICIOS
E-P: ¿Cuál es el origen de su vocación artística?
C. M.: Ingresé el año 1974 a los talleres de Obras en Amereida, Ciudad Abierta, Ritoque, perteneciente a la escuela de arquitectura en Universidad Católica de Valparaíso en Chile, conocida en esos años como la ‘Escuela de Valparaíso’. Allí, guiada por el profesor, arquitecto Alberto Cruz Covarrubias, inicio un estudio de dibujo y manuscritos en plumilla tubular, con el cual desarrollo una destreza manual y mental para trazar con ella día tras día en ejercicios de diversos formatos y temas (vuelo de pájaros, cuento para niños, las harpías, diario quincenal y otros).
TÉCNICA
E-P: ¿Qué la llevó a encaminarse hacia la plumilla y la tinta?
C. M.: El profesor Alberto Cruz, en los talleres de Amereida, me encarga un estudio en plumilla tubular (que es la más fina de punta) y tinta china, del dibujo de Leonardo de Vinci titulado El Valle del Arno. Estudio que voy desarrollando durante ocho años sin interrumpir. Tengo así la posibilidad de buscar una expresión muy personal en el dibujo, sin hacer una copia de él. Ha sido este modo mi hilo conductor de vida, trabajo y estudio hasta el presente tiempo.
PROCESO
E-P: ¿Podría describirnos su método creativo?
C. M.: Mi primera mirada es a través de un bosquejo o croquis, porque me interesa rescatar lo esencial que llega a mi ojo, generalmente en la naturaleza, sin predisponerme mucho a ello, sino en una caminata cualquiera. A veces en tinta, inmediatamente, o lápiz.
Después de esto, en mi mesa de taller, el dibujo se va haciendo más abstracto porque voy enfatizando en los volúmenes o planos, con cada trazo en su máxima fineza e incorporando a veces tonalidades que logro a través de distintos colores que, ‘apretados’ unos a otros, dejan de ser ellos mismos.
Pongo mucho interés en la armonía final sobre la página, respecto al aire que hay entre su fondo y lo construido en lo dibujado.
TEJIDOS
E-P: Aparte del papel, también la tela resulta fundamental en su obra. ¿Cómo llega a trabajar sobre este soporte?
C. M.: El trabajo en tela lo reincorporo después de muchos años, en una exposición acerca del Valle del Arno de Leonardo de Vinci (año 2024), en que presenté el estudio que realicé entre los años 1974 al 1982.
Permite la tela otra forma de expresión en los grosores y extensiones de los trazos, por su translucidez y dimensiones la ocupo para distintas situaciones espaciales, dibujadas también en plumillas y tintas usando sus cualidades para contrastar, lo que requiere una mirada próxima y ella dibujada a una escala muy grande.
Respecto al trabajo en una dimensión (9 x 2 metros) invité a una arquitecta joven, Simonetta Ferrada, con una especial sensibilidad en el dibujo, a realizarla conmigo. Trabajo que llamamos a ‘dos manos’ por la simultaneidad al dibujar sobre la obra. Es una experiencia que hemos continuado en otras exposiciones.
Respecto a las formas de exponer pongo mucho interés en que dialogue la forma expositiva con lo expuesto, esa razón me lleva a trabajar con un equipo de diseñadores y de montaje.
CREATIVIDAD
E-P: ¿Cuáles son sus principales fuentes de inspiración?
C. M.: Verdaderamente mi inspiración surge ante situaciones cotidianas imprevistas, detalles como uniones de una raíz de árbol con la tierra o una ola de mar chocando una roca, o los quiebres en un vuelo de pájaro o uniones o desuniones de cuerpos tramados y muchos otros!
Mi voluntad está centrada en cada línea o trazo que se suman, no en una figuración.
DA VINCI
E-P: ¿Por qué El Valle del Arno de Leonardo?
C. M.: Se trata de un estudio de taller (descrito anteriormente) que me fue encargado usando la plumilla tubular. Lo dibujé desde múltiples ángulos hasta sentirlo ‘apropiado’ y lo fragmenté, lo reduje, lo amplié, agregué líneas. De alguna manera habité al interior del dibujo de Leonardo.
Este estudio estuvo guardado en cajas oscuras hasta el año 2020. En pandemia, al dejar suspendida la docencia en Diseño y Arte, lo retomé dando inicialmente forma a la edición de un libro y seguidamente a las exposiciones del mismo Valle del Arno.
AVES
E-P: ¿Cómo nace la serie Aleteos?
C. M.: Aleteos nace en pandemia mirando a través de la ventana pájaros de la ciudad que venían a mi jardín. Me pareció atractivo dibujarlos desde sus movimientos cortos y bruscos. En algún momento me parecía memorizarlos y busqué un nuevo desafío, desde vídeos para poder dibujarlos en movimientos recortados por la velocidad.
Por esa razón su nombre, Aleteos, ya que pueden no reconocerse como pájaros y eso me parece positivo.
Recientemente hice con Simonetta una exposición que llamamos Entre Aleteos. Se trata de fragmentos de mis dibujos originales que recompusimos en formatos mayores a ellos y dibujamos ‘a dos manos’, armando nexos a través de trazos en diferentes grosores permitiéndonos crear nuevas obras.
NATURALEZA
E-P: ¿A qué responden sus Recortes naturales?
C. M.: Responden a que existen naturalmente en jardines, playas, bordes, bosques, lagos, etc., y habitualmente quedan insertos en la totalidad de los paisajes donde no cobran esta significancia o protagonismo.
LEJANO ORIENTE
E-P: La influencia de la cultura oriental parece tener una gran importancia en su trabajo, véase la serie Sesenta y nueve estaciones de Kisokaidō. ¿De dónde viene este interés por Japón?
C. M.: Es curioso porque tengo una raíz muy lejana y más bien desconocida familiarmente, pero en mí existe desde siempre un atractivo muy grande y físicamente lo llevo arraigado y cuidado!
Lo considero mucho en la expresión de mi mano al dibujar y componer las páginas, nace espontáneamente en mí.
¡Bella herencia, por cierto!
INICIATIVAS
E-P: ¿Algún nuevo proyecto para el futuro?
C. M.: Por lo pronto en septiembre voy a Florencia con mi estudio del Valle del Arno y a realizar allá en el Valle mismo un complemento a él con una mirada actual que expondré en una galería allá. También dibujaré desde el original de Leonardo en la Galería de los Uffizi. Una vez allá diseñaré el proyecto a exponer.
Tengo otras series como Cuerpos desfigurados, realizadas en pandemia, a las que también les estoy pensado ‘actualizaciones’.
